Der kongolesische Pianist Patrick V. Mabiala und der kubanische Posaunist Denis Cuní Rodríguez haben sich über Facebook kennengelernt. Der eine war auf der Suche nach einem Duo-Partner, der andere meldete sich auf dessen Annonce. Nicht nur die Anfänge der daraus entstandenen transatlantischen Kooperation sind recht unorthodox, sondern auch deren hörbares Ergebnis, was all jene bestätigen können, die an diesem Abend den Weg in den ausverkauften Birdland Jazzclub gefunden haben.

Donnernde Ostinati bieten die harmonisch-rhythmische Basis für die Stücke Mabiala’s, Rodríguez legt seine Melodien darüber, manchmal kommt noch eine Gesangsspur dazu, dann wieder verliert sich einer der beiden Partner in improvisierten Girlanden, folgt der Spur einer akustischen Träumerei. Monotone Endlosschleifen erzeugen mit zunehmender Dauer eine seltsame Atmosphäre zwischen entspannter Konzentration und Trance, die man in der afrikanischen Musik mit ihren Wurzeln in der Tradition, der Emotionalität und der Spiritualität immer wieder findet. Die beiden Protagonisten präsentieren unter dem Titel „Del Congo a Cuba“ die Erkenntnis, dass es in musikalischer Hinsicht durchaus Gemeinsamkeiten zwischen Zentralafrika und der Karibik gibt, was ja auch überhaupt nicht verwundert, wenn man bedenkt, woher einst schwarze Arbeitssklaven nach Übersee „exportiert“ wurden.

Die Form des „Call & Response“ aus dem historisch ähnlichen gelagerten Genre des Roots-Blues findet hier keine Anwendung. Hier geht es vielmehr um Fundament und Überbau, ganz gleich, ob die Rhythmen, Gesänge und Melodien und die daraus resultierenden Kompositionen nun auf rituelle Hintergründe anspielen, die Ernte, eine dörfliche Tanzveranstaltung oder die Freude am gemeinsamen Singen thematisieren. Zu letzterem animieren die Musiker auch das Birdland-Publikum, das sichtlich und hörbar Gefallen findet an diesem scheinbar spontan initiierten Gemeinschaftsgefühl und an dieser ganz speziellen Art von Musik. Und dass das Ganze schließlich auch noch ohne die eigentlich beim Thema „Afrika meets Cuba“ erwartbaren Trommeln funktioniert, ist eine weitere Besonderheit dieses Konzerts, dessen Klänge einerseits recht fremdartig wirken und offene Ohren voraussetzen, zu denen man andererseits aber auch schnell eine gewisse Vertrautheit verspürt, sofern man sich auf sie einlassen kann.

Rodríguez und Mabiala bieten Einblick nicht nur in eine ganz spezielle musikalische Tradition, sondern gewähren damit ihrem Publikum Zugang zu vielen weiteren Aspekten ihrer Kultur, zu deren Reichtum und Schönheit, arbeiten mit Emotionen, verbinden Unterhaltung mit Information. Ihre Moderationen sind Teil der Performance und wichtig, unterbrechen wegen ihrer Ausführlichkeit aber auch den Flow, der das gesamte Konzert durchweht und schwerpunktmäßig eindeutig afrikanischen Ursprungs ist und nicht aus der Karibik stammt, mit Salsa oder Merengue also gar nichts zu tun hat, dafür aber um so mehr auf seine Verwurzelung in den Tribes sowie deren Rhythms und Chants hinweist. – Rodríguez & Mabiala: Ein Konzert, das innerhalb des Birdland-Programms zwar eine Sonderstellung einnimmt, genau damit aber auch einmal mehr Ausdruck ist für die enorme stilistische Vielfalt im Angebot des Clubs.

Spätestens nach dem letzten regulären Stück des Abends, weiß es wirklich jeder: Dieser Saxofonist hat seinen Coltrane in- und auswendig gelernt, alle dessen Eigenheiten wie die typischen „Sheets of Sounds“, diese extrem dichte, schnelle Improvisationsweise mit vielen Tonfolgen hintereinander, die ungewöhnlich schnellen Akkordwechsel oder den expressiven, intensiven, lavagleichen Ton. Und er kann partout nicht mehr davon lassen. Der Schweizer Daniel Guggenheim entstammt einer Generation, in der „Tranes“ Spiel als das Maß aller Dinge galt. Wer es erlernen wollte, der musste es schon verinnerlichen, sodass es einen ein Leben lang nicht mehr losließ.

Heute ist Guggenheim 72 und die Jazz-Universitäten lehren längst andere, modernere, minimalistischere, groove-orientiertere Stile. Aber Coltranes Geist schwebt immer noch deutlich über allem – und über ihm. Der Birdland-Jazzclub, in dem der freundliche Tenor- und Sopransaxofonist nach 2014 zum zweiten Mal gastiert, hat zwar schon vielen glühenden Jüngern des Säulenheiligen aus North Carolina eine Bühne geboten, aber keiner hat sein Herz so sehr an ihn verloren, wie Guggenheim. Wobei es ihm immerhin gelang, seine Leidenschaft im Laufe der Jahre zu variieren. Inzwischen bezieht sich sein Spiel mehr auf die europäische Jazztraditionen, als im afroamerikanischen Wurzelwerk zu wildern. Und, ganz wichtig: Daniel Guggenheim agiert strukturierter, zugänglicher als sein Vorbild. Genau für solch feine Nuancen hat er ein erlesenes Trio mit dem Pianisten Sebastian Sternal, dem Bassisten Dietmar Fuhr und dem Schlagzeuger Silvio Morger an seiner Seite mitgebracht, das den vollbesetzten Hofapothekenkeller immer wieder zu spontanen Beifallsbekundungen bewegt.

Und dann ist da noch diese unverkennbar bluesige Note, die jedem Titel Guggenheims eine besondere musikalische Atmosphäre verleiht. Bei „Mystery In Casablanca“ zum Beispiel, das mit einem geheimnisvollen Bass-Intro von Fuhr eröffnet, dem Morger ein beschwörendes Trommel-Grollen untermischt, eine Grundlage, die den Boss – diesmal am Sopransaxofon – wie einen Schlangenbeschwörer klingen lässt. Erst Sternal bringt die orientalische Form mit federnden Läufen wieder auf Jazzkurs. Guggenheims durchaus vorhandene Eigenständigkeit kommt eher bei einer unscheinbaren Ballade wie „For Ute“ zum Vorschein, in der er lang gezogene Melodiebögen auffächert, die zwar nicht durch maximale technische Brillanz, aber dafür überbordende Emotionalität auffallen. Auch ein Stück, dass die Combo als Weltpremiere ankündigt und demzufolge noch keinen offiziellen Titel hat („Nennen wir es mal C-Dur“), weißt dem Schweizer eine gangbare, weil originelle Richtung.

Spätestens bei „Between Earth And Sky“ jedoch brechen alle Dämme. Ein fast sakraler Beginn mündet in ein lässig swingendes Thema, bevor plötzlich die Harmonien von „My Favorite Things“, einem Coltrane-Klassiker im walzerartigen Dreivierteltakt, auftauchen. Jetzt schwenkt auch die zuvor hochinnovative Band auf das altbekannte Muster über, Sebastian Sternal stanzt Power-Blockakkorde wie weiland McCoy Tyner in die Klaviatur, Silvio Morger lässt seine Sticks im Stile von Elvin Jones wie eine Armee über das Drumset marschieren und Dietmar Fuhr verlieht dem explosiven Retro-Mix am Kontrabass ein ebenso schweres wie stabiles Rhythmusgerüst. Dass Daniel Guggenheim nach etwa acht Minuten walzernder Trance eines der vielleicht besten Tenorsaxofonsoli der jüngeren Vergangenheit in die flirrende Luft des Hofapothekenkellers schickt, war zwar irgendwie vorhersehbar, ist aber auf eine gewisse Weise dann doch wieder faszinierend. Als wäre er tatsächlich die Schweizer Reinkarnation von Coltrane.

Die Stücke, die man an diesem Abend im Neuburger Birdland Jazzclub zu hören bekommt, kann man nach Aussage ihres Schöpfers, des Sopran- und Tenorsaxofonisten Daniel Guggenheim, ihren Stimmungen gemäß, in Farben einteilen. Tut man dies, dann wäre „Passion“, die kraftvolle, intensive, fast ungezügelte Eröffnungsnummer, Teil der roten Gruppe, stünde „Love’s Lost Way“ gleich im Anschluss daran, eher zurückhaltend und nonchalant, für Orange, und wenn sich Ruhe und Gelassenheit einstellen wie etwa bei „For Ute“ und „Solitude“ in der Zugabe, könnte man jene der Farbe Blau zuordnen und hätte damit auch gleich eine Erklärung dafür, warum sich das aktuelle Album des Daniel Guggenheim Quartetts „Red Orange And Blue“ nennt.

Man kann natürlich auch ungeachtet solcher Überlegungen ganz einfach eintauchen in die Stimmungen, den wunderbaren Melodien lauschen oder sich tragen lassen von den fließenden Harmonien, von den schmerzhaften Empfindungen hinter dem tiefroten „Longing“ oder der Behaglichkeit von „From Minor To Major“, jenem Stück, in das Pianist Sebastian Sternal nach allen Regeln der Kunst solistisch einführt. Neben Guggenheim, dessen Spiel vom großen John Coltrane deutlich beeinflusst ist, ist er mit seinem immensen Einfallsreichtum an den schwarzen und weißen Tasten der zweite Garant für diesen so überaus gelungenen Abend. Man kennt ihn im Birdland. Sein legendäres Geisterkonzert während der Corona-Pandemie fand zwar ohne Publikum vor Ort statt, ging dafür aber via Rundfunk über den Äther und war eine absolute Glanztat. An jenes denkwürdige Highlight in den Tagen der Dunkelheit erinnert so einiges von dem, was Sternal nun, Jahre später, einbringt in dieses Quartett. Wobei er und sein Chef ja nicht die einzigen sind, die zu großer Form auflaufen. Das höchst unorthodoxe Solo des quirligen Drummers Silvio Morger in „Longing“ ist ebenso ein Genuss wie das Spiel des Stoikers Dietmar Fuhr am Kontrabass, der mit runden, vollem Ton die Basis bildet, auf der sich die Solisten austoben und brillieren können.

„Bitte anschnallen!“, sagt Guggenheim, als er „Abstraction“ ankündigt, und spielt ein Solo, mit dem er an einen wild gewordenen Hornissenschwarm denken lässt. Dann taucht er zusammen mit seiner Band bei „Mystery In Casablanca“ ein in eine Nummer, in der man sich vorkommt wie in ständig in Bewegung befindlichem Treibsand, lässt schließlich das zweite Set ausklingen mit dem mit gut geöltem Motor dahin schnurrenden „Between Earth And Sky“, einem Stück, dessen Sog man sich mit purem Wohlbefinden überlässt, ohne irgendeinen Gedanken an die Farbpalette Guggenheims, auf der an dieser Stelle vermutlich Orange besonders deutlich hervorstechen würde.

Und dann ist da noch jenes Stück gleich nach der Pause, das noch keinen Titel hat. Guggenheim bittet das Publikum, sich einen zu überlegen. „Birdland!“ ruft jemand, aber das geht nicht, denn der existiert schon. Aber vielleicht wäre ja „Almost Too Late“ oder „Just In Time“ eine Option, weil Bassist und Schlagzeuger – die Bahn lässt wieder mal grüßen – es gerade noch rechtzeitig zum Konzert geschafft haben. Und so kommt das Publikum sogar noch zu einer Weltpremiere, denn laut Guggenheim war nicht mal mehr Zeit, das Stück vorher wenigstens einmal gemeinsam zu proben. Dass es dennoch problemlos funktioniert, spricht für die Klasse dieser Band.

Es ist noch gar nicht so furchtbar lange her, dass die Frauen der deutschen Fußball-Nationalmannschaft mit einem Kaffee-Service als Sieg-Prämie abgespeist wurden. Immerhin: pro Spielerin. Diese Art von Demütigung und Respektlosigkeit geschah zu einer Zeit, als Frauen selbst im sich ach so fortschrittlich und liberal gebenden Jazz noch belächelt, manchmal sogar verspottet wurden und sich Machismo und Sexismus ausgesetzt sahen – vor allem, wenn sie nicht etwa sangen oder Klavier spielten, sondern an Instrumenten zu hören waren, die als „männlich“ galten. Es hat sich eine Menge getan in der Zwischenzeit. Wie selbstverständlich mischen Frauen in der obersten Jazz-Liga mit und gewinnen bei internationalen Kritikerumfragen zu Recht nicht selten ihre Kategorien. Vier solche starken Frauen – alle Bandleaderinnen von Format – gastierten jetzt zusammen im ausverkauften Neuburger Birdland.

Die finnische Bassistin Kaisa Mäensivu, die Vibrafonistin Sasha Berliner, die Saxofonistin Nicole McCabe (beide aus den USA) und die deutsche Schlagzeugerin Mareike Wiening hatte sich einst während des Studiums in New York kennen gelernt und sofort gemerkt: da stimmt die Chemie, da gibt es ähnliche musikalische Vorstellungen. Zum zweiten Mal schon touren sie jetzt gemeinsam durch Europa.

Das Quartett lebt unter anderem davon, dass vier höchst unterschiedliche Temperamente miteinander kommunizieren. Während Kaisa Mäensivu das Rückgrat bildet und mit Ruhe, Wachsamkeit, Übersicht und Gewissheit den Laden zusammenhält, explodiert vor ihr die mittlerweile in Kalifornien lebende Altistin Nicole McCabe. Mit durchdringendem Timbre und einer gewissen Grundschärfe schäumt sie durch die Tonlagen, reißt dabei pfiffige Zitate mit und zeigt viel Charakter. Die ebenfalls in Kalifornien ansässige Vibrafonistin Sasha Berliner – Ururur-Enkelin des Grammophon-Erfinders und deutschen Grammophon-Gründers Emil Berliner – klöppelt mit einem unwiderstehlichen eleganten Flow, setzt kluge Pointen, schlägt immer wieder mal Haken. Und Mareike Wiening, seit letztem Jahr Schlagzeug-Professorin an der Musik und Kunst Privatuniversität Wien, mischt das musikalische Geschehen auf, mit vielen unerwarteten Akzenten, Schlagkombinationen zwischen beachtlicher Wucht und frappierend lockerer Behändigkeit.

Das Konzert im Birdland zeigt: Kaisa Mäensivu, Sasha Berliner, Nicole McCabe und Mareike Wiening sind im klassischen Jazz verwurzelt, sind in der Historie firm, bleiben aber überhörbar Frauen von heute. Immer wieder gibt es einen Twist ins musikalische Hier und Jetzt, immer wieder verquicken sie unaufdringlich Tradition und Moderne, egal, ob sie sich nun an der Arthur Blythe-Version des „Jitterbug Waltz“ orientieren oder Billy Strayhorns „Upper Manhattan Medical Group“ in ein neues Gewand mit frischem aber zeitlosem Zuschnitt stecken (Arrangement: Sasha Berliner).

Während der erste Set im Birdland noch etwas verhalten und Luft nach oben zu spüren war, entwickelten Kaisa Mäensivu, Sasha Berliner, Nicole McCabe und Mareike Wiening im zweiten Teil des Konzerts einen durchweg mitreißenden Drive, eine Energie, die nachhallte. Das Publikum freute sich unbändig, dass ausschließlich Frauen auf der Bühne des Birdland standen und saßen. Diese vier Instrumentalistinnen aber könnten – wie etwa ihre Kolleginnen der Band Artemis – dafür stehen, dass das Genus im Jazz bald nur noch eine untergeordnete Rolle spielen sollte und der Genuss, der Musikgenuss nämlich, in den Vordergrund rückt.

Sie lernten sich vor ein paar Jahren in New York kennen und schätzen, gründeten dort ein Quartett, das sich mit Modern Jazz beschäftigt, und blieben – auch wenn sie mittlerweile in verschiedenen Ecken der Welt leben – in Kontakt. Aktuell sind sie gemeinsam auf einer Tour unterwegs, was viel zu selten vorkommt, wie Schlagzeugerin Mareike Wiening betont, „weil das jedes Mal eine terminliche und logistische Herausforderung ist“. Im bis auf den letzten Platz besetzten Neuburger Bird­land Jazzclub wird das Publikum Ohren­zeuge bei ihrem „Mädelsabend“ der ganz anderen Art.

Kontrabassistin Kaisa Mäensivu ist aus Helsinki angereist, Wiening aus Wien, die Altsaxofonistin Nicole McGabe und die Vibrafonistin Sasha Berliner aus Los Angeles. Vier international renommierte und mit Preisen dekorierte Künstlerin­nen, vereint in einem Kollektiv, das streng nach demokratischen Regeln funktioniert. Jede steuert eigene Kompo­sitionen bei und sagt sie auch selber an, jede bringt sich solistisch ein, es gibt keinen Leader, niemand drängelt sich vor, niemand steht im Rampenlicht. Oder, besser gesagt, sie stehen alle ge­meinsam dort und entwerfen zusammen einen eigenständigen Sound für all die Stücke, die sie mit ihren eigenen Bands, nicht aber in dieser Besetzung veröffent­licht haben. Der wird bestimmt von einer vom Bass und dem Vibrafon erzeugten weichen, samtenen Eleganz, von einem harmonischen Bett, auf dem man es sich als Zuhörer bequem machen kann, vor­angetrieben durch elastisches Drum­ming, koloriert durch die Pirouetten des Saxofons.

Manchmal geht’s funky zur Sache, wenn die Band sich etwa Thelonious Monk’s „Wee See“ vorknöpft, oder auch bei Mäensivu’s „The Lemur“, während bei McGabe’s „A Song To Sing“ weit ausgreifende Harmonien die Szenerie bestimmen und das energetisch hochpro­zentige, spannungsgeladene „Miscon­ception“ aus Wiening’s Feder wiederum eine ganz andere Sprache sprechen. Und dann sind da ja auch noch die Balladen, in denen das Vibrafon flirrend das glit­zernde Sonnenlicht auf der glatten Ober­fläche eines Sees reflektiert. Die hand­verlesenen Adaptionen werden einge­passt in dieses große akustische Gemäl­de, in dieses schwebende und gleichzei­tig fließende Umfeld, was etwa zu der wunderschönen, von Berliner arrangier­ten Version von Billy Strayhorn’s „U.M.M.G.“ (Upper Manhattan Medical Group) führt oder in der Zugabe zu dem in diesem Kontext völlig unerwarteten „Jitterbug Blues“ aus dem Jahr 1947 und damit zu Muddy Waters, den die Band mit diesmal McGabe als treibender Kraft auf geradezu hinreißende Art neu belebt.

Eine Band, die keinen eigenen Namen trägt, nie einen eigenen Tonträger aufge­nommen hat, deren Repertoire aus Stü­cken besteht, die ihre Mitglieder eigent­lich gar nicht für diese Gruppe geschrie­ben haben, eine Band, die sich viel zu selten trifft. Und doch ist sie eine ver­schworene Einheit, wie man im Birdland hören und sehen kann, mit einem Kon­zept aus Komposition und Improvisati­on, das trotz der viel zu seltenen Mee­tings dennoch so trefflich funktioniert, mit künstlerischer Interaktion auf einer gemeinsamen Basis, mit einer ganz eige­nen Art Musik, die Spuren hinterlässt. An diesem Abend in Neuburg ganz si­cher und vermutlich auch auf den ande­ren Stationen ihrer Tour, auf der das Quartett derzeit zwischen Spanien und Finnland unterwegs ist.

2021 und 2023 war er noch als „Angestellter“ in den Bands von Noah Preminger und Christian Sands zu Gast im Neuburger Birdland Jazzclub, nun kommt er erstmals als Chef seiner eigenen Formation. Die Rede ist vom in Brooklyn, New York, beheimateten Gitarristen Max Light, der jungen, wegen ihrer ganz besonderen Ausdrucksweise nicht mehr zu überhö­renden Stimme des Jazz, die sich immer lauter zu Wort meldet. Ganz aktuell mit einer Europatournee, die ihn auch an die Donau führt.

Zusammen mit seinen Kollegen, dem Pianisten Julian Shore, dem Kontrabas­sisten Walter Stinson und dem Schlag­zeuger Steven Crammer, stellt der Gitar­rist auf unnachahmliche Weise eine Mi­schung aus bereits in vielen Konzerten erprobten und brandneuen, bislang noch unveröffentlichten Stücken vor, die erst im Herbst offiziell ercheinen sollen. Da ist das rhythmisch über Stock und Stein galoppierende „Authentication Two Step“, in dem es um ständig wechselnde Passwörter bei der Arbeit am Computer geht, da ist das zäh fließende „Pumpkin Pie“, das sich wie ein ein flauschiger Schal um die Gehörgänge legt, und da ist „Unlearning“, das mit einem einfachen, kammermusikalischen Intro anfängt, sich dann verselbständigt, zu wachsen und zu leben beginnt, seiner eigenen Wege geht, manchmal gleichmäßig da­hin strömt, dann aber immer wieder ur­plötzlich seine Fließgeschwindigkeit än­dert, anfängt zu strudeln, scheinbar außerhalb jeder Normierung, aber den­noch irgendwie einer Gesetzmäßigkeit folgend.

Ob es sich um das swingende „The Things You“ handelt, das daherkommt wie eine Reminiszenz an den klassischen Bebop, oder um das seinem Vater gewid­mete „Dad“, in dem Light quasi ein akustisches Gemälde an die Wand des Birdland hängt – immer beruft er sich auf komplexe aber fest umrissene Struk­turen, auf lange Spannungsbögen wie in „Chaotic Neutral“, das beginnt mit Tö­nen wie aus Glas. Dann wieder beißt sich einer der Musiker während der Im­provisation an einer Figur fest, bettet sie ein in das komplexe Gesamtkonstrukt, macht sie sozusagen zu einem Ohrwurm innerhalb eines Stückes, das doch eigent­lich so gar nichts von einem Ohrwurm an sich hat. Ja, es geht in der Tat aben­teuerlich zu, wenn wie etwa in „Caregi­ving“ jeder der Beteiligten, als sei er ein personifizierter Sampler, seinen Part ein­bringt, wiederholt, abwandelt, immer weiter modifiziert, während der Solist darüber improvisiert. Oder wenn in „Tal­king To You“ aus der Feder von Victor Lewis sich mehrere Rhythmen verkan­ten, ineinander verkeilen, obwohl Light das Stück „dearrangiert“, wie er es nennt, also dessen Kern offenlegt.

Bei Light und seiner Band weiß man nie genau, was als nächster Schritt kommt, was aber weniger daran liegt, dass endlose Improvisationen die Orien­tierung erschweren würden, sondern an der Komplexität, die schon in deren Pla­nungsphase so ungemein bedeutsam ist und sich recht schnell als Markenzeichen Light’s entpuppt. Als Komponist liebt er es, Umwege zu gehen, überraschend dort abzubiegen, wo es auch einen geraden Weg gäbe, und doch gleichzeitig, die Koordinaten akribisch gespeichert und das Ziel klar vor Augen, nachvollziehbar zu bleiben und die Zuhörer nicht orien­tierungslos zurückzulassen. Das Max Light Quartet im Birdland: Absolut span­nend, in gewisser Hinsicht fast so etwas wie eine Offenbarung.

Maurizio Minardi, aus Bologna stammender Komponist, Orga­nist, Pianist und Akkordeonist, kommt viel herum, lebte zeitweise in London, hat sich aktuell in Paris niedergelassen, hat einen besonderen Bezug zu Belgien und ist an diesem Abend zum ersten Mal im Birdland Jazzclub in Neuburg zu Gast. Man könnte ihn durchaus als Glo­betrotter bezeichnen, nicht nur wegen seiner intensiven Reisetätigkeit und di­versen Standortwechsel, sondern auch, weil er seine Nase permanent in diverse musikalische Genres steckt, am liebsten gleichzeitig, und dabei mit Jazz, Klassik, Rumba, Habanera, Tango, World- und sogar elektronischer Musik arbeitet.

Bisher hat er es auf 15 Alben gebracht, und noch 2026 soll ein weiteres veröf­fentlicht werden, dessen Inhalt er zusam­men mit dem Kontrabassisten Maurizio Congiu, dem Gitarristen Barthelemy Seyer und Jonathan Edo an Schlagzeug und Cajon vorstellt. Das Konzert beginnt mit „La Grande Famiglia“, das wie auch der Bandname eine starke Verbindung zu dem belgischen Maler René Magritte und dessen Surrealismus aufweist, geht weiter mit einer Verbeugung vor dem Schauspieler Marcello Mastroianni und führt über „Brixton Village“ direkt zu Jo­hann Sebastian Bach und „Barokko Non Troppo“. Die Musik und die Musiker ge­nügen höchsten Ansprüchen und die akustische Reise durch diverse Weltge­genden, die vor der Pause auch noch nach Mittelamerika und zu Consuelo Velázquez und deren Ohrwurm „Besame Mucho“ führt, ist wirklich spannend, aber der letzte Kick fehlt noch. Dem ers­ten Set haftet viel Behutsames, Bedächti­ges an, das Feuer will nicht so recht lo­dern, der Funke nicht so recht auf das überaus zahlreich erschienene Publikum überspringen.

Das ändert sich schlagartig und grund­legend nach der Pause. Jetzt ist das Quartetto so richtig präsent, emotional näher am Publikum, jetzt wollen es die Musiker wirklich wissen. Mit Gato Bar­bieri’s „Last Tango in Paris“ legt die Band gleich mehrere Gänge zu, hat bei „Anastasia“ aus Minardi’s Feder inklusi­ve des dazugehörigen Balkan-Groove das Auditorium längst geknackt und hat ab „Penguin“ und „Questa non é una rumba“, das sich wieder auf Magritte be­zieht, im Grunde ein Heimspiel. Wurde der Jazz den geografisch-stilistischen, genreübergreifenden Stücken dieses viel­farbigen Konzerts über weite Strecken eher untergemischt, übernimmt er ausge­rechnet dort die Führung, wo man es am wenigsten erwartet. Bei der Zugabe nämlich und ausgerechnet bei dem Chansonnier Jacques Brel – dem zweiten Belgier, der im Hintergrund mitmischt an diesem Abend – und dessen „Le Port d’Amsterdam“. Minardi’s Bearbeitung unterscheidet sich fundamental vom Ori­ginal, und das ist gut so, denn pures Ko­pieren wäre für einen wie ihn, der auch ein Ass im Arrangieren ist, nun wirklich reine Zeitverschwendung. Und so rundet sich trotz anfänglicher Startprobleme der Abend schließlich zu einem in der Tat erfreulichen Ereignis, das die Seele an­rührt und den Intellekt herausfordert, das den Horizont erweitert und ein erneuter Beleg dafür ist, wie vielfältig und bunt die Palette dessen ist, was da Woche für Woche im Birdland in Sachen Jazz und mitunter durchaus auch darüber hinaus angeboten wird.

Es könne ein Naturer­eignis werden, dieses Konzert mit dem Dave Douglas Quartet, konnte man der Ankündigung im Programmheft entneh­men. Und es gab Phasen an diesem Abend im Birdland, in denen wurde es tatsächlich eines. Wie stets, wenn Dou­glas, der als einer der innovativsten Trompeter des zeitgenössischen Jazz ge­handelt wird, in Neuburg auftritt – was er in der Vergangenheit schon einige Male getan hat – ist sein Konzert mit seinem erst vor kurzem neu formierten Quartett auch diesmal ein akustisches Abenteuer, ein Vorstoß in selten besuchte Gegenden des Jazz und ein Moment, in­dem ein Rückblick in die Geschichte dieses Genres zugleich auch ein Aus­blick in dessen mögliche Zukunft ist.

Das Konzert beginnt mit einer Art Fan­fare. Messerscharfe Töne durchschnei­den die Luft. Das Eröffnungsthema fährt einem durch Mark und Bein. Es ist der Startschuss zu einem regelrechten Trip durch Douglas‘ neues Album „Four Free­doms“. Mit an Bord sind der wie Dou­glas ebenfalls in New York lebende Drum-Wizzard Roy Royston, der norwe­gische Kontrabassist Ingebrigt Håker-Flaten, der den ganzen Abend über an seinem Instrument echte Schwerstarbeit leistet, und die polnische, in Amsterdam lebende Pianistin Marta Warelis, die ins­besondere durch ihre Improvisations­kunst immer wieder international für Aufsehen sorgt. Alles, was man an die­sem Abend im Birdland zu hören be­kommt, ist raffiniert, extravagant, trick­reich. Alles hängt mit allem zusammen, baut aufeinander auf und ist dennoch durchdrungen von der Lust am Auspro­bieren, von Forscherdrang und Wage­mut. Verschachtelte Rhythmen und ein­fühlsame Harmonien schließen sich nicht aus, Grooves mit Sogwirkung tref­fen auf improvisatorische Freiheit. Manchmal scheint jeder sein eigenes Ding zu machen, dann wieder schlagen alle vier gemeinsam zu mit Verve und Wucht.

Als Warelis sich in einer Solosequenz fast bis zur Unhörbarkeit zurücknimmt und jeder Fingerkontakt mit einer Taste wie ein Wimpernschlag wirkt, ist die Stille zwischen den Tönen greifbar. Man wagt kaum zu atmen. Auf so intensive Weise absolut still war es ganz selten im Birdland. Und als am Ende des zweiten Sets die Band mit mächtigem Bass, wuchtigem Piano, wirbelnden Drum­sticks und immer weiter in Richtung Fir­mament vordringenden Trompetenspira­len in einer riesigen musikalischen Erup­tion sich quasi selbst entlädt, ist man als Ohrenzeuge endgültig mittendrin im ein­gangs erwähnten Naturereignis.

Douglas der natürlich ganz genau weiß, welcher Ruf ihm vorauseilt und einem Späßchen auch nicht abgeneigt ist, for­muliert es angesichts der einzigen Adap­tion des Abends so: „Wir spielen jetzt ,Take The A-Train‘ von Billy Strayhorn. Das kennt ihr bestimmt alle. Aber ganz gewiss nicht so.“ Und dann legt die Band los, wird Douglas‘ Vorliebe für Mi­les Davis und dessen Musik aus den spä­ten Sechziger und frühen Siebziger Jah­ren deutlich, seine Lust dessen Erbe mit­zuverwalten. Nicht als Leiter eines Mu­seums, nicht nur als Konservator, son­dern vor allem als Kreativkraft und Inno­vator. – Dave Douglas im Birdland. Das ist eines dieser Konzerte, die nachhallen und nachwirken, nach deren Ende man nicht einfach zur Tagesordnung über­geht, sondern innehält und sich einge­steht, an diesem Abend etwas ganz Be­sonderes gehört zu haben. Etwas, das ziemlich einzigartig ist. Und großartig. Und das Ganze auch noch quasi vor der eigenen Haustür.

Eine Fanfare bläst an, attackiert, schneidet, drängt und dringt einem Fanal gleich durch die Luft. Schnell wird klar, worum es hier geht, wichtiger denn je: Freiheit! Mir dem Dave Douglas Quartet war eine Formation im Birdland zu Gast, die radikal ernst machte damit, Freiheit auszuloten ohne zugleich die Bindung zu verlieren.

Akzentuierter Groove, gewitterartige Trommeln, ein mächtiger, rollender Bass, ein wirbelndes Piano, das wahre Blütenstürme in den Keller wirft, und darüber ein schier strahlender, feuerspeiender Trompetenton, auch mal gedämpft a la Miles voller Glut und versammelter Explosionskraft, stets von ungemein starker Präsenz. Die freilich erstickt keine Sekunde, was sonst noch geschieht an diesem denkwürdigen Abend im Birdland.

Der Weg ist das Ziel, alle vier haben reichlich Gelegenheit zum je eigenen Beitrag, Ingebrigt Häker-Flaten mit wuchtigem, mächtigem, drängendem Bass, gern auch mal mit voluminösem Doppelgriff, Rudy Royston mit einem Schlagzeug, das unvermittelt zwischen sanfer Zurückhaltung und grollender Vehemenz wechseln kann, Marta Warelis mit einer wahren Pracht an pianistischer Vielfalt, Variablität, voller Eigensinn und Spielwonne.

Jeder Moment voller Spannung, nie vorhersehbar, dennoch aber immer aus einem Guss, nie beliebig, voller Phantasie indes, stets getragen von gemeinsamem interaktivem Puls, kommunikativer Inspiration und kreativem Flow, auch in jenen leisen Passagen, die den Wirbel strukturieren, in denen man die sprichwörtliche Stecknadel fallen hört wie in Zeitlupe. Da tastet sich die Musik ins Gewölbe, sucht sich ihren Weg wie von selbst, aufmerksam, achtsam, behutsam in den Augenblick hinein, den sie doch vollkommen erfüllt. Grandios nicht nur an diese Stelle vor allem Marta Warelis am Bösendorfer. Dann wieder raue See, stürmischer Drang bis zur Wirrsal, Musik als Spiegel des Chaos unserer Tage, endlich im Abebben des Orkans Douglas‘ Trompete wie die Stimme des Rufers.

Freiheit, Intuition und Aufmerksamkeit bilden eine Einheit bei diesen »Four Freedoms«, die sich ganz und gar nicht eindimensional erschließen, sondern nur im Miteinander zu finden sind. Freiheit steht ja nie für sich, sie ist kein Egotrip, sie ist nur zu haben im Miteinander, in gemeinsamer Entfaltung gegenseitiger Ermöglichung, zu der alle ihren Teil beitragen. So entsteht Großes, allemal an diesem Abend auf der Bühne des Birdland.

Wenn eine Konzertreihe Jubiläum fei­ert, tut sie das am besten mit Musik. Wo­bei es sich natürlich immer gut macht, wenn der Rahmen, in dem die Feierlich­keiten ablaufen, auch noch ein besonde­rer ist. Ein sehr schönes Beispiel, wie man eine Jubiläumsveranstaltung ge­schmackvoll gestalten kann, ist das 200. Konzert anlässlich des 25-jährigen Be­stehens der Reihe „Jazz im Audi Forum“.

Ein eigens per Beamer zum Leben er­wecktes Bühnenbild mit Aufnahmen aus dem letzten Vierteljahrhundert, eine klei­ne Dokumentation mit Fotos und Presse­berichten, einführende Worte von Seiten des Veranstalters und der Musiker und ein bis auf den letzten Platz besetztes Auditorium ergeben den idealen Rahmen dafür. Nicht pompös, nicht übertrieben, dafür mit Gespür für den Anlass und mit Aussagekraft konzipiert. Und dann ist da natürlich die Musik. Nach viel Swing, viel Oldtime- Traditional- und Big Band-Jazz in den vergangenen Jahren ist es zum Jubiläum der „Blues for all Sea­sons“ der in Nashville, Tennessee gebo­renen, lange Zeit in Kapstadt und jetzt in Deutschland lebenden Sängerin Titilayo Adedokun, der „Blues für alle Jahreszei­ten“, aber auch für alle Gelegenheiten, zum Mitsingen, Mitklatschen, Tanzen, Weinen, Lachen und Feiern.

Einmal mehr hat Birdland-Chef Man­fred Rehm, der seit dem ersten Tag für das Audi Forum das Programm zusam­menstellt, genau die richtige Wahl ge­troffen. Eine großartige Stimme, die nicht nur im Blues, sondern auch im Soul und in der Gospel-Szene verwurzelt ist und im Laufe ihrer Karriere auch schon im Opern-Fach zum Einsatz kam, und eine nicht minder großartige Band mit Reinhard Greiner (Trompete, Flügel­horn), Carsten Goedicke (Piano, Key­boards), Vlado Grizelj (E-Gitarre), Uli Fiedler (Kontrabass, E-Bass), Harry Alt (Schlagzeug) und nicht zuletzt der be­währten Allzweckwaffe Stephan Hols­tein (Alt- und Tenorsaxofon, Klarinette)liefern einen Querschnitt durch das weite Feld des Blues zwischen Bobby Bland’s „Members Only“ und Screamin‘ Jay Hawkins‘ „I Put A Spell On You“ auf der einen Seite, Klassikern wie „Let The Good Times Roll“ und „Everyday I Have The Blues“ auf der anderen, zwi­schen Doc Pomus‘ hinreißender Ballade „There Is Always One More Time“ so­wie „Further Up On The Road“ und „Route 66“, mit denen die Band nach weit über zwei Stunden in die Zielgerade einbiegt.

Das Septett schafft es, ein wohl dosier­tes und strukturiertes Programm so zu präsentieren, als handle es sich um eine lockere Session. Sicher, man kann dar­über streiten, ob es Gassenhauer wie „O Sole Mio“ und „Down By The Riversi­de“ unbedingt gebraucht hätte, aber was soll’s, bei einer Party muss nicht jeder einzelne Ton anspruchsvoll sein und alle sollen auf ihre Kosten kommen. Jene, die ein Konzert besuchen und zuhören wollen und jene, die sich lieber gerne be­wegen, egal zu welcher Musik, solange sie nur in die Beine geht. Miss Adedo­kun bedient beide Gruppen, fordert die Leute unablässig auf zu tanzen, fährt aber gleichzeitig zwischen den Songs mit ihren Ansagen die Stimmung wieder zurück. Dennoch schafft sie es, dass am Ende alle zufrieden, ja, begeistert nach Hause gehen, weil sie einfach eine gute Zeit hatten und als ansonsten eher dem Jazz zugewandtes Auditorium auch mal Gelegenheit bekamen, in die Blues-Sze­ne hineinzuschnuppern, zumindest in dessen Mainstream-Abteilung. – Also dann: Respekt vor so viel Durchhaltever­mögen, auch in Zeiten, in denen, gerade in Ingolstadt, so viele Formate und Rei­hen gestrichen werden. Auf die nächsten 25 Jahre „Jazz im Audi Forum“. Die „Allotria Jazzband“ am 23. April wartet schon.